terça-feira, fevereiro 10, 2015

O G6 da Arte


O El País Semanal propôs a seis Diretores de alguns dos principais museus em todo o mundo uma escolha difícil quase na fronteira do fetichismo. Cada um deve escolher da coleção que é responsável uma obra única e posar com ela.

Miguel Zugaza elege Las Meninas de Velázquez, do Prado, Nicholas Penny, da National Gallery, em Londres, escolheu Um Concerto, de Lorenzo Costa, diálogo entre música e pintura. Wim Pijbes, do Rijksmuseum, em Amsterdão, optou pela ganso assustado The Swan de Jan Asselijn. Sabine Haag, do Museu de Arte de Viena, aposta no Saleiro, de Benvenuto Cellini, uma mesa, escultura em ouro e marfim, roubada e felizmente recuperada. Jean-Luc Martinez, do Museu do Louvre, não resistiu ante a imponente Vitória de Samotrácia, e Thomas P. Campbell, do Metropolitan de Nova York, escolheu o Templo de Dendur.

Todos os centros foram criados e abertos ao público, no século XIX. Melhor ou pior, com as avalanches e interesses das pessoas cada vez maior, como podem e os deixam - se descemos ao trauma da última época de cortes no Prado, por exemplo, já entraram na dualidade real / virtual do século XXI. Um museu poderia ser o maior legado que as gerações anteriores são capazes de deixar aos seus filhos. Com esta concepção, herdeira do Iluminismo, a Europa estava se abrindo em suas capitais e cidades abrindo as portas desses templos cívicos.

O Louvre, antes do alargamento, na era de Mitterrand, recebia 2,7 milhões de visitantes por ano. A obra, com a sua famosa e controversa pirâmide na entrada, também descrita como faraónica, foi projetada para acomodar quatro milhões. O complexo de Ramsés ficou aquém. A exibição de grandeza também. Em 2013, o museu de Paris foi o mais visitado do ano, com mais de 10 milhões de pessoas. Esta onda tem obrigado a investir € 53.000.000 a recompor o acolhimento e itinerários.

O fato de que o Louvre continuar numa autentica transformação para lidar com a crescente febre pela arte levou a Jean-Luc Martinez, seu diretor, a propor uma fotografia com a Vitória de Samotrácia junto a um andaime. Eu queria testemunhar uma das restaurações mais cruciais do Louvre, em tempos recentes. Simbolizar a corrida constante de um museu com o cuidado dos seus tesouros. Neste caso, os peritos tinham verificado 20 peças de mármore separadamente para deixá-las como novas.

"Eu tenho uma relação de amor com este trabalho. Era o meu guia ao entrar no museu pela primeira vez. Enquanto eu caminhava pelas escadas me cativou a sua beleza, a magia que a trouxe para o lugar". Ao longo do tempo também fez dele um especialista em grego, romano e escultura etrusca: "Seu virtuosismo, seu charme, seu desafio constante ao conhecimento. É uma obra que, ao estudar, confirma a sensação de que quanto mais sabemos, mais ignoramos".

Um lugar como o Louvre, com 2.300 funcionários, quer manter a sua posição no mundo de hoje. Um mastodonte assim, cujo tempo médio de visita é de 2 horas e 40 minutos, com 60% das pessoas que trilha seus salões pela primeira vez, precisa estar à altura dos tempos: "Estou feliz de que mais e mais pessoas vão ao museu, que crescem os amantes da história da arte, o nosso desafio é proporcionar uma experiência personalizada", disse Martinez, que passou dois anos como chefe da instituição.

Por mais estranho que possa parecer, este é o momento dos museus. Por muito obcecados e apressados que andemos ou justamente por isso, temos de parar, de passar um longo período em nossas vidas para mera contemplação. Uma experiência íntima, contato visual, diálogo silencioso com a beleza, mistério, intriga, a atração de uma obra de arte elevam o cidadão contemporâneo ao ponto de valer a pena esperar, a deslocação, mesmo a aglomeração.

A recompensa? Um momento de confissão, com, peças originais, únicas, irrepetíveis, em plena época de distribuição em massa de todos os tipos de objetos ou eventos, incluindo culturais. O valor do que não pode ocorrer de novo fica consagrado para a história, no meio de um impulso contra o tempo. A poderosa singularidade da obra de arte.

O museu é a casa do pintor, comenta Eduardo Arroyo no seu Guia particular do Prado. O refúgio em que se inspira, o teto que abriga a identidade do criador. Percursos a realizar, respostas, indicações, sua bússola. Mas também é o grande fórum cidadão: um local de destaque para a apreciação e reflexão. Para o espanto, a emoção em silêncio e admiração.

Talvez nós sejamos filhos do período mais emocionante, aberto, plural e contagiante que já existiu sobre a relação entre cultura e cidadania. Os desafios de silêncio e de paz que exigem os museus, a experiência de comunhão quase religiosa que poderia processar a contemplação da arte, muitas vezes não correspondem à recorrente, embora não permanente turbulência que existe nos grandes museus.

Hoje em dia, o efeito magnético não é suficiente. Nem o único por explorar. Hoje e amanhã, os museus podem mover-se em nossas casas através da Internet. Longe de diminuir interesse da experiência real, os avanços tecnológicos aumenta-na.

Uma das principais preocupações dos diretores de grandes museus não é deter as avalanches - bem vindas, cada vez mais às suas salas - , mas sim de as ordenar. Uma delegação de responsáveis de pinacotecas francesas acaba de visitar Espanha para que lhes expliquem como lidar com a abertura sete dias por semana.

Aberto todos os dias pode ser uma solução para a avalanche. O Prado colocou em prática em 2012. Miguel Zugaza, o seu director, destaca a importância da medida e coloca sobre a mesa os resultados. Ainda mais, quando nos últimos sete anos, o Estado reduziu a sua contribuição em 60%.

Zugaza está ligado a Las Meninas por simbolizar a visão profética que teve Velázquez na época, o que se reflecte na sua pintura, "O protagonista é o espectador ante a contemplação de uma obra". Um espectador que se supunha em posição de previlégio. Na verdade, a imagem pendurada na parede, onde Felipe IV foi pintado, por ele. O tempo expandiu esse privilégio a todos. Ao público global que hoje a admira. "Desde que Luca Giordano o qualificara como a teologia da pintura, não desceu do seu pedestal até hoje", afirma Zugaza.

Las Meninas são o emblema do Prado. Seu protagonismo desafia o tempo. Mas, como um símbolo da diversidade de pontos de vista que oferece o presente, Zugaza também poderia ter escolhido O Jardim das Delícias de Hieronymus Bosch. "É um trabalho cuja visita ao museu é completamente diferente ao que podes possa desfrutar, se o vês em alta definição em casa. Na sala de estar captas uma experiência limitada, se vais ao detalhe no teu computador, você descobre muitas coisas mais."

A turbulência provocada com o advento da Internet nos mercados de quase todos os setores culturais produziu no mundo dos museus o efeito oposto: "Oferecemos a oportunidade de cumprir a nossa missão no mundo. Quem não pode vir fisicamente para Madrid, pode entrar no Prado  em qualquer lugar do mundo".

Outro aspecto paradoxal é o equilíbrio do presente. Não significa outra coisa dirigir um museu para Wim Pijbes, responsável pelo Rijksmuseum de Amsterdam: "É um ato de equilíbrio entre as propostas grandes e diferentes sem perder de vista os mais pequenos detalhes."

Pijbes resume eficazmente usando as palavras de ordem: "Prestação de serviço para um público amplo, com um toque pessoal. Transformar o Rijksmuseum no teu Rijksmuseum." Neste aspeto, ele escolheu como símbolo este poderoso Ganso ameaçado, Jan Asselijn: "Pela sua força, sua beleza soberana que lhe dá o poder absoluto. Uma vez contemplado, não podes esquecer-lo". Na tua retina fica o branco esvoaçante  solene em defesa de seu ninho, com a imagem da ameaça ante a beleza que se agita fazendo valer a dignidade da sua sobrevivência. Boa metáfora para os tempos sombrios num quadro pintado por um artista barroco holandês em 1650 e que para Pijbes vale a pena e justifica o esforço de uma visita. "Num mundo de domínio virtual e vida acelerada, o valor de experiências autênticas atrai mais e mais pessoas." Com todos os problemas que isso pode acarretar. Com as dificuldades de harmonizar a transformação das instituições criadas para as minorias no séc. XIX em recintos para maiorias no séc. XXI.

Nicholas Penny, diretor da National Gallery, em Londres, que deixa o cargo neste ano, reflete sobre a metamorfose: "Nossos centros, criados há dois séculos para populações mais reduzidas, não se têm desenvolvido o suficiente para funcionar na sociedade de turismo de massas. Nós temos um grande volume de visitantes na National Gallery, mais de seis milhões, e isso é um grande desafio para o usufruto tranquilo de alguns dos nossos trabalhos. Muitas vezes pergunto-me como consegue um jovem artista estudar a obra de Raphael e Michelangelo no Vaticano. É um problema real e será maior para os meus sucessores  para aqueles que os levam aos museus em Paris, Florença ou Roma, mais do que para nós."

O mais movimentado museu de Londres, O Britânico, a Tate Modern e na Nacional Gallery, são colocados ano após ano  no topo da lista dos 10 mais visitados do mundo. "Há uma grande relutância em sociedades democráticas de expressar qualquer coisa que sugira que o popular é mau. Mas é inegável que muitas vezes os livros mais vendidos não são as melhores. O mesmo se aplica às exposições mais visitadas. Não são sempre o as melhores, assim como as obras de arte favoritas do público em geral", diz Penny.

Crenças e interesses de cada época dão a mão, de acordo com o chefe da National Gallery. "Nem sempre o verdadeiro amor à arte move os turistas a sentir que deve contemplar uma obra; como nos tempos medievais, nem sempre foi o fervor que motivou os peregrinos a caminhar longas distâncias. "Isso não ofusca o básico: "Para mim, isso é um fato e eu encaro com enorme convicção de que os museus pertencem ao povo e não devem ser tratados como um recurso para os privilegiados ou melhor educados."

Para o gerir requer-se um perfil com certas características: "Não é fácil. Deve ser alguém qualificado e com considerável experiência em organização de exposições e curadoria, assim como também para passar o tempo em tarefas administrativas, bem como habilidades de liderança, influência e de angariação de fundos dos doadores. Fica pouco tempo para ir à biblioteca, organizar como queríamos as exposições ou ajudar um jovem colega numa investigação, é necessário sacrificar muito do que nós gostamos, mas mesmo assim, o trabalho tem suas recompensas."

Como podes aproveitar o tempo que tens para ter uma relação íntima com as obras que gostas. É o caso de Um Concerto, pintura de Lorenzo Costa. A peça com que Penny escolheu para posar: "Fiquei impressionado desde o primeiro dia em que pisei o pé com o meu pai neste museu em 1950", recorda Chris. Foi grande o impacto. Porque hoje, o chefe da pinacoteca prepara um catálogo sobre a arte de Bolonha e Ferrara da sua coleção. "Como um historiador de arte eu acho fascinante. Para mim, isso representa o início de um gênero que floresceu durante séculos e era particularmente atraente para os fãs de Caravaggio ", diz ele.

A tarefa de captação de recursos é essencial nestes tempos. Nos EUA é mais fácil porque as instituições culturais apenas têm contribuições dos governos. Mas na Europa forjou-se uma geração de gestores que tiveram que aprender a andar de forma igual entre o dinheiro público e privado. Para Zugaza e o Prado em Espanha é melhor do que nada essa viagem com uma mudança de status legal mesmo no museu.

Longe vão os dias em que a pinacoteca de Madrid vivia praticamente do Estado. Hoje, 70% dos recursos do seu orçamento de 42 milhões de euros, são captados pelo museu. Embora não seja desejável: "O ideal seria que do estado viesse metade e a outra parte é equilibrada, com o faturamento das visitas e contribuições privadas", disse Zugaza.

Não é o caso do Metropolitan de Nova York: com fundos principalmente privados, continua a desenvolver formatos que atraem grandes públicos e marcam a tendência na grande liga global do património. Para Thomas P. Campbell, o diretor, a emoção de dirigir o Met reside na mistura de vários campos: "A tecnologia, a viagem, a formação, definir metas que unem a utilidade com a criação".

Ou uma simples transferência ao longo do tempo. Como ele fez na escolha de O Templo de Dendur, trabalho egípcio do primeiro século antes de Cristo, presente do Governo daquele país aos Estados Unidos em 1965. Hoje em dia pode ser visto a partir do Central Park através de uma grande vidraça, em como diz Campbell "simboliza o cheiro de coexistência entre a Antiguidade e da vida moderna com uma sensação palpável de sentido da história dentro de um ambiente que se torna real e muito relevante".

O diretor do MET também se lembra da primeira vez que o viu: "Fiquei impressionado com o seu poder, a monumentalidade transportada. Tornou-se um dos grandes ícones do museu, ocorreu-me a forma como o trabalho fala da força da cultura, a sua sobrevivência; carrega uma grande mensagem para este mundo. "Os tempos apressados, a superlotação, que, segundo ele, é um desafio para guiar o visitante a lugares isolados: "Há muitos no nosso museu e, embora eles sejam difíceis de encontrar, representam a experiência mágica que se pode viver nele ".

Sempre que não seja o que ocorreu no Museu de Belas Artes de Viena, em 01 de novembro de Maio de 2003. Diz Sabine Haag, sua diretora desde 2009. Ela revelou os problemas fundamentais nas mentes de qualquer diretor: o roubo de uma peça. Saímos do ponto de suspense para o final. "Era a noite da música, fechava-se mais tarde. Algumas alas do edifício estavam em restauro. Um homem aproveitou o andaime, quebrou uma janela e roubou o Saleiro, de Benvenuto Cellini, um das nossos mais preciosas obras. Demorou 90 segundos. Não havia ninguém, no dia seguinte foram as empregadas de limpeza que perceberam que faltava."

O ladrão era um empregado de uma empresa de segurança. "Eu estava familiarizada com as nossas medidas. Foi uma comoção no nosso país e no exterior. A polícia acabou por prendendo-lo. Ele disse que havia enterrado a peça numa floresta perto da cidade. Em janeiro de 2006, a peça voltou para o museu ". Hoje é o trabalho que Sabine Haag considera seu emblema. "Vivi tudo isso como diretora da coleção, quando foi devolvida podem imaginar o que nos emocionamos."

Sem comentários:

Enviar um comentário