Galleria il Milione

Em 1930, Mari Pier Bardi transferiu-se para Roma e deixou o legado da Galeria a Peppino Ghiringhelli em frente à Pinacoteca de Brera.

Pepino e seu irmão Gino deram vida a um programa e juntos com Edoardo Persico fundaram a Galeria Il Milione.

O principal propósito da Galeria Il Milione era dar a conhecer os artistas como Sironi e Morandi, De Chirico, Melotti, Fontana, o grupo dos abstractos (Soldati, Rho, Radice, Reggiani, Ghiringhelli e Bogliardi).

Gino Ghiringelli, protagonista indiscutível, mostrou as pinturas dos nossos artistas metidas nos armazéns de Leonce Rosenberg, revelou os futuristas e as obras de Matisse, Rouault, Kandinsky e Wolfs.

A Amizade com Morandi, Licini e Sironi determinou a afirmação dos valores da arte italiana destas acções podem-se ver no Quadrante, que a Milione publicou sob a direcção de Bontempelli e Bardi, participaram Terragni, Figini, Polini e outros arquitectos que seguiram a controvérsia sobre a nova arquitectura, ao lado de pintores como Birolli e a escultores como Melotti e Fontana.

Gino era um espírito livre, corajoso, sem fanatismo. E assim foi, quando as bombas destruíram Il Milione, que foi reconstruída na Via Manzoni e, passada a tempestade da guerra, na Via Sant’Andrea com a Galeria Camino.

Finalmente na Via Bigli, Gino com Peppino dedicaram-se à publicação, com Lívio e Ceroni, deram vida à mais sólida galeria italiana com reputação internacional. Uma obra gigantesca.

Após as actividades no período pós-guerra com a Galeria Camino, superadas as incertezas do período da guerra, Il Millione da Via Sant'Andrea interessou-se pelo desenvolvimento da arte italiana e europeia. Em 1949, Gino Ghiringhelli propõe uma grande exposição de Picasso, seguir-se-á a memorável exibição de Wols. Depois surgirá a mostra de outro pintor da nova geração, Morlotti, que tinha vivido em Paris e na curta experiência amadurecera os ensinamentos de Picasso.

Naqueles anos realizaram as exposições de Birolli, Matta, Klein e Chagall.

Mas já nascia o seu interesse pelos jovens artistas, expuseram nos anos 50 Romiti e Vacchi, Ajmorne e Chighine, Fasce e Brunori, Ruggeri, Carmassi, Bionda e o jovem Guttuso que realizou a sua primeira exposição individual. Além de escultores mais velhos como Martini, Fontana, Marini e Manzo, outros se sucederam como Mirko, Minguzzi, Negri, Milani, Fabbri.

Quanto aos estrangeiros recordamos as exposições de Rufino Tamayo e Baumeister.

Em 1964,com a morte de Gino Ghiringhelli, a actividade da galeria contínua, com exposições históricas. Para citar algumas: Milani, Feninger, Chighine, Fasce, o jovem Olivieri e Folon.

Na década de 70 são organizadas as primeiras exposições de Pintura Analítica com Griffa, Olivieri, Pineli e Verna. São também os anos das mostras de Dorazio e Turcano, às quais se seguiram as exposições nos anos 80 de San Filippo, Carla Accardi, Salvo e Stefanoni.

Galeria Birch

Galeria Birch é a mais antiga galeria de arte contemporânea dinamarquesa fundada em 1946 por Børge Birch, pai da Anette Birch a actual proprietária da galeria.

Børge Birch tornou-se um negociante de arte e foi líder na Europa, reconhecido por seu trabalho com o movimento COBRA com artistas como Asger Jorn, Pierre Alechinsky, Karel Appel e Corneille.

Em 1950, a galeria também teve várias exibições individuais de grandes artistas franceses e internacionais, tais como Georges Braque, Poliakoff, Pablo Picasso, Léger, Laurens, Nolde e Pierre Soulages já em 1951.

Galeria Denise René

A arte é essencialmente uma questão de escolha. No final da Segunda Guerra Mundial e depois de apenas cinco anos de ocupação alemã tinha reduzido a vida cultural no seu sentido mais acordado, tudo parecia possível para uma galeria de jovens. As primeiras exposições organizadas em Junho de 1945 por Denise René atestaram a necessidade de liberdade selvagem, o desejo de experimentar o que, até então canalizado para os caminhos da abstracção geométrica, em seguida, a cinética, o recurso é provavelmente o mais consistente de seu carácter. Picabia e Max Ernst para Atlan ou Lapicque, assim, durante seus cinco primeiros anos de funcionamento, o prazer de mostrar tanto os mestres esquecidos (e ignorados), no pré-guerra, artistas dão um novo uma nova imagem à escola já famosa de Paris. Um ponto comum - e ele é essencial no debate virulento mexendo enquanto o mundo da arte, esses artistas "abstractos" (mesmo se hoje esta designação pode ser logicamente contestada por muitos deles): o que quer dizer que, para criar de uma nova estética, eles recusam desde logo todos os académicos que inicialmente poderiam estar ligados a uma tradição figurativa.

Esse sentimento de que a arte deve existir para inventar novos caminhos, Denise René fará seu princípio, a intuição da sua análise fundador. É portanto, neste contexto ainda confuso, que cobre o termo arte abstracta, onde a não-figuração de um Manessier um Estève ou Bazaine estava próxima da investigação informal de Fautrier ou de Dubuffet, para que a imagem continue ainda subjacente – ela privilegia a abstracção formal; que estavam em desenvolvimento as ideias fundamentais do cubismo que pretende transformar a pintura num acto plástico puro, onde a emoção não vem da narrativa, mas está enraizada na combinação de formas e cores. Tomada esta opção, Denise René, reúne em um diálogo que vai continuar ao longo da galeria, artistas históricos e jovens criadores. Assim, os primeiros anos, ela foi vizinha de Arp e Magnelli, Sophie Taeuber e Herbin, todos os pioneiros da primeira geração de artistas abstractos com jovens como ela revela e impõe como Vasarely, Jacobsen, Dewasne ou Mortensen. Ela também irá trabalhar para pôr em destaque os pioneiros da abstracção, o primeiro a ter sucesso em 1957 que nenhum museu francês tinha feito: com a ajuda de museus holandeses, o trabalho de Mondrian que, apesar de ter vivido em Paris de 1919 a 1938 não teve nenhuma exposição individual.

Esse diálogo entre gerações, este sentimento de continuidade na história da arte, e que o trabalho de uma galeria é descobrir e tornar familiar até os museus se apoderarem, está na base da exposição histórica realizada em 1955 por Denise René e Vasarely: O Movimento. Ao pesquisar os antecedentes históricos - Marcel Duchamp ou Calder - Recordando as articulações que representam o trabalho de Vasarely ou de Jacobsen, a exposição proporcionou um enquadramento e justificação para a investigação destes jovens artistas que é difícil imaginar hoje que "Eles foram então desconhecidos - Tinguely, Soto, Agam, Pol Bury e lançaram ao mesmo tempo as bases da arte cinética.

Este trabalho colocou em perspectiva as diferentes gerações da arte abstracta, Denise René desenvolveu em Paris, introduzindo as figuras históricas da vanguarda do concreto da Europa de Leste, até então uma tradição desconhecida em Paris e que a galeria destacava com uma retrospectiva do húngaro Lajos Kassak do polonês Stazewski ou a exposição dos precursores da arte abstracta na Polónia em 1957, com Malevich, Kobro, Strezminski, Berlewi como hoje... ela mostra o jovem artista russo Jeltov. Numa altura em que o comércio internacional era muito mais raro que hoje em dia, a galeria será aberta aos criadores do mundo inteiro.

Ela tornou-se assim para os artistas plásticos da América Latina que preferiam a pesquisa plástica à narrativa - os nomes do brasileiro Cícero Dias, venezuelanos Soto e Cruz Diez, o argentino Park, Tomasello e Demarco, testemunham - um ponto de reunião natural. Essa relação especial com a América Latina tem suas raízes em 1956, quando Denise René publica Venezuela, um álbum de Vasarely que ecoa a experiência de pintor de arquitectura e arquitecto Carlos Raul Villanueva. Uma exposição de Vasarely organizada pela galeria e apresentada em 1958 em Buenos Aires, Montevideu e São Paulo será a estas inaugurações, a oportunidade de conhecer pessoas novas e múltiplas exposições.

Denise René tornou-se uma das primeiras negociantes de arte francês a entender que uma galeria tinha que ter em conta a criação internacional e não se limitar aos artistas que vinham morar em Paris, ela também sabia, muito rapidamente, que após a guerra a informação tinha de ser de natureza global e que não era suficiente esperar que os estrangeiros retirem proveito de uma viagem a Paris para aprender e descobrir novos artistas. Esta activista Galeria procurou encontrar novas estruturas, novos públicos com acesso à criação mais contemporânea. Em Abril de 1948 organizou exposições na Dinamarca, localizadas nas principais galerias locais (Birch Tokanten Rasmussen) os parceiros que pudessem assumir a sua parte na divulgação da arte construída. A organização da exposição em 1951, Klar Form, que terá a duração de um ano em museus na Escandinávia e na Bélgica, será o resultado concreto e evidente deste trabalho visionário das galerias.

Acontece de vez em quando um comerciante acompanha a arte de seu tempo torna-se inseparável dela. Este foi o caso com Kahnweiler e cubismo, Herbert Walden e expressionismo alemão, Castelli e a Pop Art. Na organização da exposição, em 1955, Movimento, Denise René, despertou um novo conceito de arte, criou um movimento, enquanto ela descobria uma nova geração de artistas. A arte cinética, para tomar emprestado o termo usado por Vasarely em 1955, acompanhando a evolução da Op Art ia ganhar por quinze anos como uma das grandes tendências da arte contemporânea internacional. Talvez se deva ver no sucesso de público da arte cinética, o seu impacto imediato na Europa e nos Estados Unidos, o ponto que parecia contraponto natural e necessária da Pop Art. Quando restaurada mais tarde a imagem e seus poderes destinados a testemunhar o mundo social, apresentando os artistas cinéticos questionaram a arte, questionaram a vibração, a cor virtual, tudo o que a imagem fixa solicitava o nervo óptico ou pelo contrário era introduzida pelo movimento real uma dimensão de tempo que mudou a abordagem às artes visuais, trazendo desenvolvimento no tempo oferecidas pelo cinema e música.

A ressonância imediata dessas ideias, o afluxo de novos artistas, que se juntaram a eles, atestou a solidez das intuições dos iniciadores do movimento, também prevaleceu um germe de academização. Múltiplos, ideia social generosa que consistia em tornar a arte acessível ao maior número de pessoas, não apenas a coleccionadores ricos, espalhando centenas de trabalhos de artistas fazendo-lhes um uso bem comum ligeiramente diferente daqueles apregoados pela Pop Art. O Grande Prémio de Pintura na Bienal de Veneza em 1966, atribuído a Júlio Park, marcando o reconhecimento oficial da cinética, como a que deu dois anos antes, em Rauschenberg, marcou a Pop Art, fazendo da arte óptica um fenómeno de moda. Como é sempre o caso na arte, o reconhecimento público de um movimento marca o seu fim.

Na segunda metade do século XX, Denise René foi muito mais do que o testemunho, um actor chave. Sem ela, uma parte da arte do século XX teria muitos mais anos para surgir. Talvez alguns artistas não tivessem encontrado nenhum apoio nem meios para continuar a sua criação. Certamente, pode ser depois do facto, o inventário do que a galeria não levou em conta, pergunto por Bridget Riley ou Takis não encontraram lugar, surpreendentemente a arte minimal não se seguiu na linha lógica de pensamento defendida por Denise René. Mas a par destas lacunas, o que resta é notável é a fidelidade de um comerciante a uma linha de conduta, a capacidade de resistir aos efeitos da moda, aos fluxos financeiros ou mediáticos que os acompanham. Se todos concordam agora do rigor e da importância das escolhas, o que é talvez o mais impressionante é a dimensão moral que Denise René deu a um trabalho que poucos acreditam que esta seja a sua maior qualidade.