Orit Gat é uma escritora e editora colaboradora da Rhizome. Ela vive em Nova York, EUA. O artigo de Orit Gat na revista frieze, Edição 167, Novembro-Dezembro de 2014, acerca do novo livro de Gilda Williams sobre como escrever sobre arte contemporânea.
Vamos
supor que há uma crise na escrita sobre arte. A última década viu uma série de
ensaios, livros, painéis de discussão e eventos que debatem o estado da crítica,
a morte do crítico e o desaparecimento das publicações de arte. Então, vamos
imaginar que a crise: todas as análises simplesmente descrevem o que está em
vista, em vez de dizer nada sobre isso; ensaios para catálogos nunca produzem
novos conhecimentos, só servem para promover o valor de mercado de um artista;
e a linguagem da imprensa é muitas vezes ridicularizada como oca. Todas essas
mesas-redondas que trazem os críticos de volta dos mortos e ao pódio refletem
uma crescente ansiedade sobre as possibilidades comunicativas da escrita.
Gilda
Williams preocupa-se com todos os itens acima. Chamá-lo por qualquer nome – a sua
ligeira depreciação “art-patois",
mística" falar em línguas ", ou o simples velho “Artspeak” – é tudo de difícil compreensão para Williams. Ela propõe-se
corrigir esse problema num novo livro, como escrever sobre Arte Contemporânea
(publicado pela Thames & Hudson), que está estruturado para desembaraçar a
confusão linguística que supostamente se estabeleceu. Em inúmeros pontos de
vista, ela descreve o campo, seus jogadores-chave e suas inclinações
particulares (citando, entre outras coisas, uma série de artigos frieze), e
move-se então para discutir o estilo, o trabalho de lançar e as diferentes
formas de escrita no contexto da arte contemporânea. A metodologia de Williams
é impecável. Ela traz cerca de 50 exemplos de textos, que vão desde exposições
comentários para trechos de ensaios para catálogos e declarações do artista, e
analisa-os atentamente. Ela destaca o uso de verbos ativos, aponta substantivos
específicos, desconstrói estruturas gramaticais complexas e, apesar de tudo,
parece ler estas amostras mais de perto do que ninguém fez antes. Num estilo
confiante – “menos discutir um certo tubarão flutuando em um tanque, ou aquele
objeto de porcelana no banheiro assinado "R. Mutt", nunca assume o
seu leitor lembrar-se ou viu a arte – Williams salienta que a abordagem
essencial para escrever sobre arte deve ser para responder a três questões,
facilmente resumidas: (1) O que é? (2) O que isso significa? e (3) Então, o
que? Esta fórmula destina-se a responder ao que Williams vê como o paradoxo
inerente a escrever sobre arte – “estabilizar a arte através de riscos de linguagem
matando o que faz a arte valer a pena escrever sobre, em primeiro lugar ".
No
mundo Williams descreve, o crítico da velha escola desapareceu, substituído por
um "pau para toda obra", mas ela não se debruça sobre a origem deste
desaparecimento – a realidade de escrever sobre arte, que é mal remunerada, essencialmente
exercida por freelance e uma luta
constante para manter uma ética em cheque – ou das suas consequências. Enquanto
Williams reconhece que os escritores estão implicados de alguma forma na maior
economia da arte, a conclusão que ela desenha é que "os críticos de hoje
não são tão poderosos quanto foram [...] Ocupando quase a nível económico a base
da pirâmide arte-indústria, os críticos são menos afetados por ciclos de
expansão e contração. Quando as bolhas de arte estouram, arte-escritores muitas
vezes têm mais para escrever sobre e nada de especial para se preocupar. Como
Boris Groys afirma, já que ninguém lê ou investe em critica de arte de qualquer
maneira, os seus autores podem-se sentir libertos para ser tão sincero como quiserem,
por escrito, com poucas ou sem amarras. "Será que uma posição de poder
escravizar um escritor? Não necessariamente. Na verdade, ela poderia dar ao
crítico mais tração e apoiar a sua / seu papel como alguém que deve - e,
potencialmente, poderia - manter o mercado em cheque. Quanto à avaliação do
Groys que ninguém lê a crítica mais, à conclusão de que deve ser elaborada a
partir dele é que o que precisamos urgentemente agora não é mais escrita, mas a
escrita mais crítica.
Nenhum
livro poderia ensinar um escritor a ser interessante, opinativo, envolvido
ou apaixonado. E esse não é o presente objetivo. O seu objetivo é pegar numa
disciplina que Williams concebe como altamente desregulamentada – e
profissionaliza-la. Ao delinear exatamente como um catálogo do leilão difere da
etiqueta da parede de um museu e de uma revista, até o vocabulário e tom que cada um deve acomodar, Williams dá uma visão para o funcionamento interno de
muitos diferentes setores: academia, casas de leilão e
imprensa profissional. Tendo em conta a ascensão de inúmeros programas académicos sobre a escrita de arte, um livro sobre o assunto poderia ser visto como uma
entidade democratizante, mas a diferença entre um livro e uma escola é a
interação. Mesmo que se recue na ideia de precisar de um mestrado em crítica de
arte, a fim de escrever para uma revista – outro exemplo de um mundo da arte em
que os termos de participação são um grau secundário, muitas vezes acompanhada
de um deficit académico que poucos podem justificar financeiramente – pelo menos os programas permitem aos alunos um sentimento de comunidade. Quer se encontre num
programa de pós-graduação ou não, é a participação no discurso e interesse em
seus contemporâneos que faz de alguém um crítico. A técnica de Williams é
casada com a obra de arte – deixa o trabalho guiar-te – que os riscos
resultantes da escrita de arte estereotipada que negligencia o contexto intelectual a partir do qual a obra de arte emerge.
A escrita sobre arte não é uma indústria em crise – muito pelo contrário. As publicações de arte tornaram-se um reino complementar ao trabalho, não aquele que simplesmente
descreve. A expansão física e conceitual do que a arte pode ser também produziu
uma paisagem de publicação com um positivo tudo vai ethos, que devemos
promover, ao invés de sufocar. Escrever sobre arte tornou-se um espaço em que
os bons escritores podem discutir qualquer coisa, sublime ou mundano, da
política às gravatas, tendências filosóficas para memes de internet. Enquanto
Williams afirma que a escrita sobre arte precisa ser fundamentada em descrições da
arte – o "o que está lá" – eu diria que este campo alargado de publicação
é o que faz o material de leitura vibrante, se é ou não nunca menciona que
esta ou aquela instalação de vídeo tem duas telas e um tempo total de 15
minutos. A escrita sobre arte deve ser acentuada e opinativa, mas também, por vezes
frágil e errática. A escrita sobre arte não precisa ser mais profissionalizada – ela precisa ser concebida como um espaço para experimentar e expandir. Estas formas
mais retrógradas da escrita criam um mundo da arte que é mais perceptivo, onde
o que lemos é igual na sua ambição intelectual ao trabalho para o qual olhamos.
